Enciclopédia de instrumentos musicais do mundo

Dumbelek

Dumbelek, um tambor unimembranofone com a distintiva forma de cálice, ecoa ritmos vibrantes em diversas culturas do Médio Oriente, Norte de África, Sul da Ásia e Europa de Leste. A sua forma, mais larga na parte superior e afunilando-se para uma base inferior, não é apenas estética, mas também fundamental para a projeção e o timbre do seu som. A membrana, tradicionalmente de pele animal mas também encontrada em materiais sintéticos, é esticada sobre a abertura mais larga, pronta para ser percutida com a destreza dos dedos de ambas as mãos.

A técnica de execução do dumbelek é intrinsecamente ligada à sua forma. O músico geralmente posiciona o instrumento entre as pernas ou sobre um suporte, permitindo a liberdade de ambas as mãos para explorar a rica paleta sonora que o tambor oferece. Os dedos dançam sobre a membrana, produzindo uma variedade de sons que vão desde o grave e ressonante “dum” – um golpe central com a mão dominante – até o agudo e estalado “tek” – um toque nas bordas com os dedos. A combinação destes e de outros golpes, como os floreios rápidos e os toques silenciados, permite a criação de ritmos complexos e hipnotizantes.

A riqueza do dumbelek reside também na sua vasta nomenclatura e distribuição geográfica. Sob os nomes de tarabuka, darbuka, doumbeck, dumbec, tablah, zerbaghali e muitos outros, este instrumento pulsa com a história e as tradições musicais de diversas regiões. Cada nome e cada variação regional podem trazer consigo nuances na construção, no tamanho e, por vezes, até nas técnicas de execução e nos contextos musicais em que o instrumento é mais proeminente.

Seja a marcar o ritmo de danças folclóricas animadas, a enriquecer as melodias complexas da música clássica árabe ou a adicionar um toque percussivo a ensembles contemporâneos, o dumbelek, em todas as suas formas e nomes, permanece um instrumento fundamental e expressivo. A sua presença sonora evoca paisagens culturais ricas e diversificadas, unindo povos através da linguagem universal do ritmo.

Dumbelek

Dumbelek

Tarabuka

Tarabuka, tambor unimembranofone com a inconfundível forma de cálice, pulsa com os ritmos vibrantes do Médio Oriente, Norte de África, Sul da Ásia e Europa de Leste. A sua estrutura, mais ampla na extremidade superior e afunilando-se para a base, não é meramente estética, mas essencial para a ressonância e a projeção do seu som característico. Uma única membrana, tradicionalmente de pele animal mas também fabricada em materiais sintéticos modernos, é esticada firmemente sobre a abertura mais larga, pronta para ser tocada com a agilidade dos dedos de ambas as mãos.

A técnica de execução da tarabuka explora a sua forma única. O músico geralmente posiciona o instrumento entre as pernas ou sobre um suporte, permitindo que ambas as mãos percutam a membrana com liberdade e precisão. Os dedos deslizam e batem na superfície, produzindo uma rica variedade de sons que vão desde o grave e profundo “dum” – um golpe central com a mão dominante – até o agudo e estalado “tek” – um toque nas bordas com os dedos. A combinação habilidosa destes e de outros golpes, incluindo os rápidos floreios e os toques abafados, possibilita a criação de padrões rítmicos complexos e envolventes.

A tarabuka viaja por diversas culturas e regiões, assumindo diferentes nomes que refletem a sua integração nas tradições musicais locais. Sob as designações de darbuka, doumbeck, dumbec, dumbelek, tablah, zerbaghali e muitas outras, este instrumento ecoa através de paisagens sonoras distintas. Cada nome pode estar associado a nuances na construção, no tamanho e, por vezes, em técnicas de execução específicas, adaptadas aos estilos musicais predominantes em cada área.

Seja a marcar o ritmo contagiante de danças folclóricas, a enriquecer as melodias intrincadas da música clássica árabe ou a adicionar uma percussão vibrante a ensembles contemporâneos, a tarabuka, em todas as suas manifestações, permanece um instrumento essencial e expressivo. A sua sonoridade rica e versátil evoca a diversidade cultural das regiões que a acolhem, unindo as pessoas através da linguagem universal do ritmo e da percussão.

Tarabuka

Tarabuka

Timple, Espanha

Timple, ou tiple canário, é um cordofone vibrante e emblemático das Ilhas Canárias, em Espanha. Caracteriza-se pelas suas dimensões compactas, geralmente entre 30 e 40 centímetros de comprimento, o que o coloca na mesma família de instrumentos de corda de tamanho reduzido como o cuatro venezuelano, o tiple portorriquenho e o guitarro maiorquino. Esta semelhança sugere uma possível ligação histórica ou influências partilhadas entre as tradições musicais destas regiões.

Apesar do seu tamanho modesto, o timple possui uma sonoridade surpreendentemente rica e brilhante. Tradicionalmente, apresenta cinco cordas de tripa ou nylon, afinadas de forma específica e que contribuem para o seu timbre único. A afinação mais comum é GCEA (Sol, Dó, Mi, Lá), com a corda Sol geralmente afinada uma oitava acima, conferindo-lhe um carácter agudo e alegre. No entanto, podem existir variações na afinação dependendo da região ou do estilo musical.

A construção do timple envolve uma caixa de ressonância geralmente em forma de oito, semelhante a uma guitarra em miniatura, com um braço curto e trastes. A madeira utilizada na sua construção varia, mas madeiras locais como o pinho canário são frequentemente apreciadas pelas suas qualidades acústicas. A forma e os materiais contribuem para a sua projeção sonora e para o seu timbre distinto, que se destaca em ensembles folclóricos e em interpretações a solo.

O timple desempenha um papel central na música tradicional das Canárias, acompanhando cantos e danças folclóricas como a isa, a folía e o tajaraste. A sua sonoridade vivaz e ritmada é essencial para o espírito festivo destas expressões culturais. Para além do seu papel tradicional, o timple tem vindo a ganhar reconhecimento como um instrumento versátil, explorado por músicos contemporâneos em diversos géneros musicais, demonstrando a sua capacidade de adaptação e a sua riqueza expressiva. O timple é, sem dúvida, um símbolo sonoro da identidade e da alegria das Ilhas Canárias.

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  • Instrumentos musicais de Espanha
  • Instrumentos musicais das Canárias
  • Instrumentos de corda dedilhada
  • Família dos alaúdes
  • Instrumentos começados por t
Timple, Espanha

Timple, Espanha

Timple, Espanha

Timple, Espanha

Txalaparta, Espanha

Txalaparta, ou chalaparta, emerge como um instrumento de percussão direta singular e ancestral, enraizado profundamente na tradição do País Basco. A sua natureza rudimentar não diminui a sua complexidade rítmica e a sua expressividade sonora, que ecoam através das festividades e celebrações bascas. Embora partilhe semelhanças conceptuais com o balafon e o xilofone – instrumentos de percussão melódica compostos por lâminas de madeira afinadas – a txalaparta distingue-se fundamentalmente pela sua técnica de execução.

Em vez de baquetas convencionais, a txalaparta é percutida verticalmente com pilões, peças robustas de madeira com cerca de um metro de comprimento. Estes pilões, manuseados por dois ou mais tocadores, atingem tábuas de madeira dispostas horizontalmente sobre suportes. A escolha dos materiais para as tábuas – tradicionalmente madeira de árvores locais como o amieiro, o castanheiro ou o freixo – influencia o timbre e a ressonância do instrumento. As tábuas podem variar em tamanho e espessura, permitindo a produção de diferentes alturas sonoras, embora a txalaparta seja primariamente um instrumento rítmico.

A execução da txalaparta é uma arte colaborativa, exigindo uma coordenação precisa entre os tocadores. Através de um intrincado diálogo rítmico, eles criam padrões sonoros complexos e envolventes, caracterizados por uma alternância de golpes e silêncios que se intensificam e se transformam ao longo da performance. A improvisação desempenha um papel crucial, com os tocadores a responderem uns aos outros, construindo uma tapeçaria sonora dinâmica e cativante.

Tradicionalmente associada a celebrações como casamentos e festas de cidra, a txalaparta tem vindo a ganhar reconhecimento para além do seu contexto folclórico. Músicos contemporâneos exploram as suas possibilidades sonoras únicas em diversos géneros musicais, demonstrando a sua capacidade de evocar tanto a força ancestral quanto a inovação moderna. O som distintivo da txalaparta, marcado pelo impacto dos pilões sobre a madeira, é um símbolo poderoso da identidade cultural basca.

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Txalaparta, Espanha

Txalaparta, Espanha

Udukai, Índia

O udukai é um instrumento de percussão originário da Índia, especialmente utilizado em orações e cerimónias religiosas no estado de Tamil Nadu. Ele é considerado um bimembranofone, ou seja, possui duas membranas que são percutidas para produzir som.

O formato do udukai é semelhante a outros tambores em forma de ampulheta, com um corpo alongado e uma cintura mais estreita. Geralmente, é feito com madeira e pele de cabra ou de veado, que são as membranas responsáveis pela ressonância do som.

Para tocar o udukai, uma mão agarra um laço que se encontra ao redor do corpo do instrumento, enquanto a outra mão percuti as membranas com os dedos ou com um objeto como uma baqueta ou palheta. O músico pode produzir diferentes sons e ritmos variando a força e técnica de percussão nas membranas.

O udukai é bastante popular no folclore de Tamil Nadu, sendo utilizado em espetáculos de música tradicional e danças folclóricas. É considerado um instrumento de grande importância cultural e espiritual na região, sendo utilizado principalmente em orações e cerimónias religiosas para acompanhar cantos e recitações sagradas.

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  • Instrumentos musicais da Índia
  • tambores em forma de ampulheta
  • Instrumentos começados por u
Udukai, Índia

Udukai, Índia

Yatga, Mongólia

Yatga, também conhecido como yatuga ou yataga, é um cordofone elegante e ancestral pertencente à família das cítaras, profundamente enraizado na tradição musical da Mongólia. Distingue-se pela sua longa caixa de ressonância trapezoidal, sobre a qual se estendem um número variável de cordas, tradicionalmente feitas de seda ou tripa, que são beliscadas com os dedos ou com plectros. A sua sonoridade delicada e lírica evoca as vastas paisagens e a rica história da Mongólia.

Uma característica socialmente significativa do yatga reside na distinção histórica entre o número de cordas dos instrumentos permitidos a diferentes estratos da sociedade. A yatga de 12 cordas era outrora um privilégio exclusivo das cortes reais e dos mosteiros budistas, onde a sua música solene e refinada adornava cerimónias e momentos de contemplação. Esta proibição impedia os pastores, a maioria da população mongol, de tocar este instrumento de maior complexidade.

Em contraste, os pastores tinham acesso à yatga de 10 cordas. Embora mais simples em termos de alcance e possibilidades harmónicas, esta versão do instrumento desempenhava um papel vital na sua vida quotidiana, acompanhando canções folclóricas, narrativas épicas e momentos de lazer nas vastas estepes. Esta diferenciação social através do número de cordas do yatga reflete uma estrutura hierárquica e um controlo cultural sobre a prática musical.

Hoje, estas restrições históricas diminuíram, e ambas as versões do yatga são apreciadas e tocadas por músicos de diversas origens na Mongólia e além-fronteiras. O yatga continua a ser um símbolo da identidade musical mongol, com a sua sonoridade única a evocar a serenidade das estepes e a riqueza da sua herança cultural. Seja nas suas versões de 10 ou 12 cordas, o yatga mantém o seu lugar como um instrumento de beleza e significado na tapeçaria sonora da Mongólia.

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  • Instrumentos de corda dedilhada
  • Família das cítaras
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Yatga, Mongólia

Yatga, Mongólia

Alphorn, Suiça

Alphorn, com os seus múltiplos nomes que ecoam a grandiosidade dos Alpes – alpenhorn, alpine horn, trompa alpina –, é uma trompa natural de madeira, tradicionalmente esculpida e moldada numa forma cónica elegante. Originário das montanhas suíças, este instrumento imponente não possui válvulas ou pistões, dependendo inteiramente da habilidade do músico em controlar a embocadura e a respiração para produzir uma gama surpreendentemente rica de sons harmónicos. A sua sonoridade melancólica e poderosa ressoa pelos vales alpinos, evocando a vastidão e a serenidade das paisagens montanhosas.

A construção do alphorn é um processo artesanal que envolve a seleção cuidadosa de madeira, frequentemente de abeto, que é depois oca e moldada. A sua forma cónica alongada, que pode atingir vários metros de comprimento, influencia diretamente o seu timbre único e a sua capacidade de projeção sonora a longas distâncias. Tradicionalmente, era utilizado para a comunicação entre pastores em diferentes montanhas, transmitindo mensagens simples através de melodias características.

Apesar da sua origem funcional, o alphorn evoluiu para além da mera comunicação, tornando-se um símbolo da cultura alpina e um instrumento musical apreciado. A sua presença é marcante em festivais folclóricos, cerimónias e concertos, onde a sua voz distintiva encanta o público. A técnica de tocar o alphorn exige um domínio da respiração diafragmática e uma embocadura precisa para alcançar as diferentes notas da sua série harmónica natural.

Instrumentos semelhantes, com a mesma finalidade de comunicação em áreas montanhosas, podem ser encontrados ao longo da cordilheira alpina, desde os Alpes franceses até aos Cárpatos. Estas trompas naturais, embora possam variar ligeiramente na forma e nos materiais, partilham o princípio fundamental de utilizar um longo tubo cónico de madeira para projetar o som através das montanhas. O alphorn suíço, no entanto, permanece o exemplo mais icónico e reconhecido desta tradição sonora alpina.

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  • Família da trompa alpina
  • Família das trompas naturais
Alphorn, Suiça

Alphorn, Suiça

Alghoza, Paquistão

Alghoza, um instrumento de sopro melódico com raízes profundas no Paquistão, ecoa pelos campos e celebrações com os seus sons distintos. Conhecido por uma variedade de nomes regionais, como jorhi, pawa jorhi, do nali, donal, giraw, satara ou nagoze, o alghoza é singular na sua construção e técnica de execução. Ele consiste fundamentalmente em duas flautas de cana ou madeira, ligadas entre si, que são tocadas simultaneamente pelo mesmo músico.

Uma das flautas do alghoza é dedicada à melodia principal, tecendo os intrincados desenhos sonoros da música tradicional paquistanesa. A outra flauta desempenha o papel de bordão, produzindo uma nota contínua eDrone que serve de base harmónica para a melodia. Esta combinação de melodia e bordão confere ao alghoza uma sonoridade rica e hipnótica, muitas vezes associada a atmosferas pastoris, canções folclóricas e danças vibrantes.

A técnica de tocar o alghoza exige uma habilidade considerável. O músico utiliza uma respiração circular, inalando pelo nariz enquanto exala pela boca, para manter um fluxo de ar contínuo através das duas flautas. Os dedos deslizam pelos orifícios das flautas, controlando as alturas das notas melódicas, enquanto a segunda flauta emite o seu som constante. A destreza do tocador reside na capacidade de coordenar a respiração e os movimentos dos dedos para criar melodias expressivas sobre o fundo do bordão.

O alghoza é um instrumento essencial em muitas tradições musicais do Paquistão, sendo frequentemente ouvido em festivais rurais, casamentos e outras celebrações. A sua sonoridade evoca a paisagem e o espírito do país, ligando as pessoas às suas raízes culturais. Apesar da sua construção relativamente simples, o alghoza é capaz de produzir uma gama surpreendente de emoções, desde a alegria contagiante até à melancolia profunda. A sua presença continua a ser uma parte vibrante e essencial da herança musical do Paquistão.

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  • Instrumentos musicais do Paquistão
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Alghoza, Paquistão

Alghoza, Paquistão

Albogue, Espanha

Albogue, com as suas diversas denominações regionais como alboka ou gaita serrana, é um instrumento de sopro tradicional e singularmente sonoro do País Basco, em Espanha. Derivado do termo árabe “al-buq”, que significa trombeta ou corno, o albogue preserva uma ligação ancestral com instrumentos de sopro pastoris. A sua construção peculiar envolve um tubo de madeira, geralmente de pequenas dimensões, ao qual se acoplam duas peças de corno nas extremidades.

A peça de corno maior, situada na extremidade distal, funciona como um pavilhão, amplificando e direcionando o som produzido. Na extremidade proximal, encontra-se uma peça de corno menor, que integra uma palheta simples, semelhante à utilizada em alguns clarinetes ou gaitas de foles. É a vibração desta palheta, causada pelo sopro do músico através de um orifício no tubo de madeira, que gera o som característico e penetrante do albogue.

A técnica de tocar o albogue exige uma habilidade particular, pois o músico geralmente utiliza uma respiração circular para manter um fluxo de ar contínuo, permitindo a execução de melodias ininterruptas. Os dedos controlam os orifícios laterais no tubo de madeira, alterando a altura do som produzido pela vibração da palheta. O resultado é uma sonoridade intensa e por vezes estridente, bem adaptada aos espaços abertos e às festividades rurais do País Basco.

Tradicionalmente associado a celebrações, danças folclóricas e procissões, o albogue desempenha um papel vibrante na música popular basca. A sua voz única acompanha frequentemente outros instrumentos tradicionais, como a txistu (uma espécie de flauta) e o tamboril, enriquecendo as melodias e o ritmo das danças. Apesar da sua aparente simplicidade, o albogue é capaz de produzir melodias expressivas e ritmos contagiantes, mantendo viva uma tradição musical distintiva e enraizada na cultura do País Basco.

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Albogue, Espanha

Albogue, Espanha

Ajayu, Chile

Ajayu, cordofone de timbre peculiar e história enraizada, é um pequeno instrumento tradicional do Chile que cativa pela sonoridade das suas doze cordas de aço, dispostas em cinco ordens. Esta configuração de cordas múltiplas e ordens confere ao ajayu uma riqueza harmónica e uma complexidade sonora que se destacam apesar das suas dimensões compactas. A utilização de cordas de aço contribui para um som brilhante e com boa projeção, diferenciando-o de outros instrumentos de corda tradicionais da região que podem utilizar cordas de tripa ou nylon.

A disposição das doze cordas em cinco ordens sugere uma afinação específica que explora a ressonância simpática entre as cordas e permite a criação de acordes e melodias com uma textura sonora particular. Embora a descrição não detalhe a afinação exata, é comum em instrumentos de ordens múltiplas que algumas cordas dentro da mesma ordem sejam afinadas em uníssono ou em oitavas, enriquecendo o timbre e o volume.

Sendo um instrumento tradicional do Chile, o ajayu provavelmente está ligado a géneros musicais folclóricos específicos da região, acompanhando canções, danças ou narrativas culturais. A sua portabilidade, devido ao tamanho reduzido, pode tê-lo tornado um instrumento popular em contextos sociais e festivos, facilitando a sua utilização em diferentes ambientes.

A construção do ajayu, embora não detalhada, seguiria provavelmente técnicas artesanais tradicionais, utilizando madeiras locais para a caixa de ressonância e o braço. O design e os materiais empregados influenciariam diretamente a qualidade do som e a ressonância do instrumento. A presença de doze cordas num instrumento de pequenas dimensões implica um braço e uma cravelheira capazes de suportar a tensão das cordas e permitir uma afinação precisa.

O ajayu representa uma faceta da diversidade musical do Chile, um testemunho da criatividade e da adaptação das tradições musicais locais. A sua combinação única de doze cordas de aço em cinco ordens oferece um leque de possibilidades sonoras que certamente enriquecem o panorama da música folclórica chilena, preservando uma parte importante da sua herança cultural.

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  • Instrumentos musicais do Chile
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Ajayu, Chile

Ajayu, Chile