Instrumentos musicais do continente asiático

Dung-chen, Tibete

Dung-chen é uma imponente trompa tradicional do Tibete e de regiões vizinhas da China, notável pelo seu tamanho impressionante, que pode atingir até 4 metros ou mais de comprimento. Este instrumento de sopro de metal é composto por diversas secções tubulares que se encaixam, permitindo o seu transporte e montagem. A sua construção robusta e o seu comprimento extremo conferem-lhe uma sonoridade profunda, ressonante e poderosa, capaz de viajar longas distâncias.

A utilização primordial do Dung-chen está intrinsecamente ligada às práticas religiosas das comunidades monásticas budistas tibetanas. O seu som grave e prolongado é essencial em rituais, cerimónias e festivais religiosos, onde desempenha um papel fundamental na criação de uma atmosfera solene e espiritual. O toque do Dung-chen marca o início e o fim de cerimónias, acompanha cânticos e orações, e anuncia a presença de figuras religiosas importantes. A sua sonoridade é vista como uma oferenda sonora e um meio de comunicação com o divino.

A técnica de execução do Dung-chen requer habilidade e resistência física, dada a necessidade de produzir um fluxo constante de ar para manter o som. Frequentemente, dois ou mais músicos tocam em conjunto, alternando as respirações para criar um som contínuo edrone. As variações na intensidade e na forma de soprar podem produzir nuances sonoras subtis, mas a característica principal do Dung-chen é a sua ressonância profunda e penetrante.

Embora seja predominantemente utilizado em contextos religiosos, o som único e a presença visual marcante do Dung-chen também o tornaram um símbolo da cultura tibetana, ocasionalmente surgindo em contextos seculares ou em colaborações musicais que procuram explorar a sua sonoridade ancestral e evocativa. A sua grandiosidade física e o seu significado espiritual fazem do Dung-chen um instrumento musical singular e profundamente enraizado na tradição do Tibete.

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Dung-chen, Tibete

Dung-chen, Tibete

Dutar, Irão

Dutar, ou Dotar, é um instrumento de cordas dedilhadas tradicional do Irão e de regiões adjacentes da Ásia Central. O seu nome, derivado do persa, significa literalmente “duas cordas” (do “do” – dois e “tar” – corda), refletindo a sua característica mais distintiva. O corpo do Dutar possui uma forma característica de meia pêra, geralmente esculpido em madeira de amoreira, que contribui para a sua ressonância única e timbre quente.

O braço longo do Dutar é geralmente feito da mesma madeira do corpo e possui trastes de tripa ou nylon, dispostos de forma diatónica, permitindo a execução de melodias e modos tradicionais da música persa e da Ásia Central. As duas cordas, tradicionalmente feitas de seda ou, modernamente, de nylon ou metal, são afinadas em intervalos específicos, frequentemente uma quarta ou uma quinta justa, dependendo da região e da tradição musical.

O Dutar é tocado dedilhando as cordas com os dedos da mão direita, enquanto a mão esquerda pressiona as cordas nos trastes para produzir diferentes notas. A técnica de execução pode variar, mas frequentemente envolve um dedilhado ágil e ornamentado, característico da música folclórica e clássica dessas regiões. O instrumento é valorizado pela sua capacidade de produzir melodias expressivas e rítmicas, muitas vezes acompanhadas por harmonias simples proporcionadas pelas duas cordas.

Embora seja um instrumento com apenas duas cordas, o Dutar possui uma rica tradição musical e é utilizado em diversos contextos sociais e culturais. É comum encontrá-lo em performances a solo, em conjuntos musicais folclóricos e como acompanhamento para cantores de histórias e poesia épica. A sua sonoridade melancólica e evocativa é profundamente ligada à identidade musical e cultural do Irão e da Ásia Central, sendo um instrumento apreciado tanto pelos músicos quanto pelos ouvintes. A sua construção artesanal e a sua sonoridade distintiva garantem a sua continuidade nas tradições musicais da região.

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Dutar, Irão

Dutar, Irão

Bhaya, Índia

O bhaya é um tambor indiano de som grave que faz parte da tabla, um instrumento de percussão amplamente utilizado na música clássica indiana. Ele é tocado em conjunto com a daina, que é o outro tambor da tabla, formando um par de tambores de tamanhos diferentes.

O bhaya tem uma forma cilíndrica e é feito tradicionalmente de madeira ou cerâmica. Tem um diâmetro maior que a daina e geralmente é feito de cobre ou latão. A membrana do Bhaya é esticada sobre a estrutura do tambor e é fixada com a ajuda de cordas que são enroladas ao redor do casco.

Para tocar o bhaya, o músico usa os dedos e a palma da mão para criar diferentes sons e ritmos. Os dedos são usados para bater no centro da membrana, enquanto a palma da mão é usada para abafar o som e criar variações tonais. O músico é capaz de produzir uma ampla gama de sons, desde tons graves e profundos até sons claros e agudos.

O bhaya desempenha um papel importante na música indiana, proporcionando a base rítmica para as melodias. É usado principalmente em apresentações solo de tabla, bem como em espetáculos com outros instrumentos musicais indianos, como sitar, sarod, flauta.

A arte de tocar tabla, incluindo o bhaya, requer anos de prática e dedicação. Os músicos de tabla são altamente treinados para dominar as diferentes técnicas, além de memorizar uma ampla variedade de ritmos e padrões complexos.

O bhaya e a daina juntos formam uma combinação harmoniosa que contribui para a riqueza e a complexidade da música clássica indiana. Eles são fundamentais para a tradição musical do país e são considerados um dos instrumentos mais importantes da Índia.

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Bhaya, Índia

Bhaya, Índia

Damaroo, Índia

Damaroo é um instrumento de percussão da Índia, classificado como um bimembranofone devido às suas duas peles vibratórias. A sua forma característica de ampulheta, estreitando-se no centro e alargando-se nas extremidades, é fundamental para a sua produção sonora única. Tradicionalmente, as peles são feitas de couro de cabra ou outros animais, esticadas sobre a estrutura de madeira ou metal do corpo do instrumento e presas por cordas ou tiras de couro que percorrem o seu exterior.

A maneira como o Damaroo é tocado é particularmente interessante. O músico segura o instrumento na mão e agita-o vigorosamente, fazendo com que pequenas bolas ou nós presos às extremidades de cordas soltas batam nas membranas em ambos os lados. A pressão exercida pela mão do músico no centro do Damaroo controla a tensão das cordas que atravessam as peles, permitindo variar o tom do som produzido. Ao apertar e soltar a pressão, o músico pode modular a altura e criar uma variedade de sons rítmicos e até mesmo tons melódicos rudimentares.

No contexto religioso hindu, o Damaroo possui um significado simbólico profundo. O seu som é frequentemente associado ao deus Shiva, sendo comummente representado em suas mãos em pinturas e esculturas. O som rítmico e pulsante do Damaroo é interpretado como a representação do ritmo cósmico da criação e da destruição, o ciclo eterno da vida e da morte. A sua sonoridade evoca a energia primordial do universo e o poder transformador de Shiva.

Além do seu uso religioso, o Damaroo também é encontrado em contextos folclóricos e em apresentações de rua na Índia. A sua portabilidade e a capacidade de produzir sons distintos com movimentos relativamente simples tornam-no um instrumento versátil para diversos tipos de atuações. A sua forma icónica e o seu significado cultural e religioso fazem do Damaroo um instrumento único e profundamente enraizado na tradição indiana.

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Damaroo, Índia

Damaroo, Índia

Ch’in, China

Ch’in, também conhecido como Guqin (古琴), é uma cítara chinesa de mesa reverenciada pela sua longa história, sonoridade subtil e profunda ligação com a cultura e a filosofia chinesas. Distingue-se por possuir tipicamente sete cordas de seda (tradicionalmente, embora atualmente possam ser de nylon ou metal), estendidas sobre um corpo de madeira alongado e ligeiramente curvado. A sua construção reflete uma estética minimalista e elegante, com marcadores de madrepérola ou outros materiais incrustados ao longo do braço para indicar as posições das notas.

O Ch’in é classificado como um “instrumento de seda” (絲竹 – sīzhú) na tradicional categorização chinesa dos instrumentos musicais, que os agrupa pelos materiais de que são feitos. A escolha da seda para as cordas contribui para o seu timbre suave, ideal para a criação de atmosferas meditativas e introspectivas. A técnica de tocar o Ch’in é complexa e refinada, envolvendo uma variedade de dedilhados, deslizamentos e pressões nas cordas com os dedos da mão direita para produzir diferentes timbres e alturas, enquanto a mão esquerda pressiona as cordas em pontos específicos ao longo do braço para definir as notas.

Historicamente, o Ch’in era o instrumento preferido dos intelectuais chineses, sendo considerado uma arte essencial para o cultivo pessoal e a expressão de sentimentos profundos. A sua música está frequentemente associada à natureza, à filosofia taoísta e confucionista, e à poesia. A prática do Ch’in promovia a concentração, a calma e a contemplação.

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Ch'in, séc. V a. C.

Ch’in, séc. V a. C.

Shime-daiko, Japão

O Shime-daiko é um tipo de tambor japonês que possui uma construção única. Tem um corpo cilíndrico feito de madeira, geralmente em forma de barril, com uma pele de animal esticada nas duas extremidades. O diâmetro do instrumento é maior do que a sua profundidade.

A pele nas extremidades é fixada com um sistema de tensões ajustáveis, permitindo alterar o tom do tambor. Tradicionalmente, a pele era feita de couro de cervo, mas atualmente outros materiais como pele de boi são utilizados devido à escassez do material original.

O Shime-daiko faz parte de diversos grupos instrumentais japoneses, como o taiko ensemble. É frequentemente usado durante apresentações musicais, danças folclóricas, festivais e cerimónias tradicionais no Japão. O tambor é tocado com baquetas chamadas bachi, geralmente feitas de madeira, bambu ou plástico, dependendo do efeito sonoro desejado.

A técnica de tocar o Shime-daiko envolve uma combinação de batidas nas extremidades do tambor, mudanças de ritmo e dinâmica. Os músicos que tocam esse instrumento passam por um treino intensivo para dominar as diferentes técnicas e estilos.

O Shime-daiko tem um significado cultural e espiritual importante no Japão. É considerado um símbolo de energia e força, e seu som ressoante é frequentemente associado a purificação e celebração.

(com IA)

Situa-se no índice 21 no sistema Hornbostel-Sachs de classificação de instrumentos musicais, entre os tambores percutidos, instrumentos cuja membrana é posta em vibração ao ser batida ou percutida.

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Shime-daiko, Japão

Shime-daiko, Japão

Kakko, Japão

Kakko é um membranofone tradicional japonês, caracterizado pela sua forma cilíndrica e pela maneira como é tocado. Este tambor é colocado horizontalmente em um suporte baixo, e o músico utiliza dois bastões curtos, chamados bachi, para percutir as peles esticadas em ambas as extremidades do cilindro. A construção do Kakko envolve um corpo de madeira, tradicionalmente laqueado e decorado, com peles de animal fixadas nas duas bocas. A tensão das peles pode ser ajustada para alterar a afinação do instrumento.

O Kakko desempenhou um papel crucial na música antiga da corte japonesa, conhecida como gagaku. Dentro do gagaku, o Kakko é frequentemente o instrumento líder da seção de percussão, responsável por marcar o ritmo e indicar as mudanças de andamento e estrutura musical. O seu som nítido e articulado guia os outros instrumentos da orquestra, conferindo dinamismo e coesão à performance. A precisão e a habilidade do percussionista de Kakko são essenciais para a execução impecável do gagaku.

A história do Kakko remonta à China durante a dinastia Tang (618–907), onde era conhecido como jiegu (羯鼓). Este instrumento era popular na música da corte chinesa e, durante os intercâmbios culturais entre a China e o Japão, foi introduzido no arquipélago japonês. Ao longo dos séculos, o jiegu adaptou-se ao contexto musical japonês, evoluindo para o instrumento que hoje conhecemos como Kakko.

Apesar de sua origem estrangeira, o Kakko tornou-se um componente integral da música clássica japonesa. A sua presença no gagaku sublinha a importância das influências culturais na formação das tradições musicais japonesas. Hoje, o Kakko continua a ser tocado em performances de gagaku, preservando uma tradição musical milenar e oferecendo um vislumbre das sofisticadas práticas musicais da antiga corte japonesa. A sua sonoridade distinta e o seu papel de liderança rítmica garantem a sua relevância contínua neste género musical clássico.

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Kakko, Japão

Kakko, Japão

Janggu

Janggu, também grafado janggo ou chango, é um membranofone tradicional da Coreia, reconhecível pela sua distinta forma de ampulheta, semelhante ao Damaroo indiano. Este instrumento de percussão é composto por um corpo central estreito, geralmente feito de madeira, com duas peles de animal esticadas em ambas as extremidades mais largas. A tensão destas peles é ajustável através de um sistema de cordas que percorrem o corpo do instrumento, permitindo ao músico controlar a afinação e o timbre de cada extremidade de forma independente.

A técnica de tocar o Janggu é versátil e complexa. Geralmente, o instrumento é posicionado horizontalmente à frente do músico, que utiliza diferentes tipos de baquetas para percutir as peles. Uma das extremidades, conhecida como gungpyeon, é geralmente tocada com uma baqueta mais grossa e suave, produzindo um som grave e abafado. A outra extremidade, chamada chaeppyeon, é percutida com uma baqueta mais fina e rija, resultando num som agudo e estaladiço. Esta dualidade sonora permite a criação de ritmos complexos e texturas rítmicas ricas.

O Janggu desempenha um papel fundamental em diversos géneros da música tradicional coreana, desde a música folclórica e camponesa (Nongak) até à música clássica da corte (Jeongak) e às formas de arte performativas como o Pansori e o Sanjo. A sua capacidade de produzir uma ampla gama de sons rítmicos e a sua flexibilidade tonal tornam-no um instrumento essencial para estabelecer o ritmo base e adicionar camadas de percussão intrincadas.

A importância cultural do Janggu é inegável, sendo um dos instrumentos mais onipresentes na música coreana. A sua forma única e a sua sonoridade característica são facilmente identificáveis, e o seu papel central em tantas formas musicais tradicionais sublinha a sua relevância contínua na Coreia moderna. A habilidade dos percussionistas de Janggu em coordenar os toques nas duas extremidades com diferentes baquetas demonstra um alto nível de destreza e musicalidade, tornando-o um instrumento vibrante e essencial na paisagem sonora coreana.

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Janggu

Janggu

Sarod, Índia

O sarod é um instrumento de cordas que possui entre 18 e 25 trastos de metal, que são ajustáveis, localizados ao longo da escala. A sua estrutura consiste em uma tigela de madeira convexa e uma tampa de pele de cabra que funciona como caixa de ressonância. Possui uma longa escala de aproximadamente 55-60 cm e cordas de metal de diferentes espessuras que são tocadas com uma unha de metal chamada “jama”.

O sarod é frequentemente comparado ao sitar, outro instrumento indiano popular, porém, o sarod possui um som mais grave e é tocado com uma técnica diferente. Ao contrário do sitar, o sarod não possui trastos móveis adicionais e é tocado com os dedos.

O instrumento é capaz de produzir uma grande variedade de expressões e matizes musicais. É usado tanto para tocar melodias como para improvisações e é considerado um instrumento solo muito expressivo na música clássica indiana.

O uso do sarod na música indiana remonta a séculos atrás, e ao longo do tempo, tem sofrido várias modificações e melhorias. Hoje em dia, é um instrumento essencial na música clássica indiana e é apreciado por sua sonoridade distinta e rica.

(com IA)

Situa-se no índice 32 do sistema Hornbostel-Sachs de classificação de instrumentos. É um cordofone composto, instrumento de corda que tem caixa de ressonância como parte integrante e indispensável.

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Sarod, Índia

Sarod, Índia

Sarinda, Nepal

Sarinda é um instrumento de cordas friccionadas tradicionalmente encontrado no Nepal, Índia e Paquistão. Caracteriza-se por possuir um corpo de madeira esculpido, geralmente com uma caixa de ressonância mais larga na parte inferior que se estreita em direção ao braço. O número de cordas varia, mas frequentemente possui três ou mais cordas principais, feitas de tripa ou metal, que são friccionadas com um arco curto para produzir som. Algumas Sarindas podem também ter cordas simpáticas, que vibram por ressonância, enriquecendo o timbre do instrumento.

A Sarinda é frequentemente comparada ao violino devido à sua técnica de execução com arco e à sua sonoridade expressiva, embora possua características distintas que a diferenciam. O seu corpo esculpido e a forma como as cordas são tensionadas contribuem para um timbre único, muitas vezes descrito como mais nasal e com uma qualidade vocal. O braço da Sarinda geralmente não possui trastes, permitindo ao músico produzir um glissando contínuo e uma ampla gama de microtons, essenciais na música tradicional destas regiões.

Este instrumento desempenha um papel importante na música folclórica e tradicional do Nepal, Índia e Paquistão. É frequentemente utilizado por músicos itinerantes, contadores de histórias e artistas de rua para acompanhar canções, baladas e narrativas épicas. A sua capacidade de expressar emoções profundas e nuances melódicas torna-o um veículo poderoso para a transmissão cultural e a expressão artística. Em algumas tradições, a Sarinda é também associada a práticas espirituais e rituais.

Apesar da crescente influência da música ocidental e de outros instrumentos modernos, a Sarinda continua a ser valorizada pela sua sonoridade única e pela sua ligação com as tradições musicais locais. Esforços de preservação e revitalização têm sido realizados para garantir que este instrumento ancestral continue a ser apreciado e tocado pelas futuras gerações, mantendo viva a sua voz distinta no panorama musical do Sul da Ásia.

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Sarinda, Nepal

Sarinda, Nepal